- -
- 100%
- +
Замкнутый круг разрывается только активными действиями. Если этого не делать — круг не разорвётся никогда.
Как записывать самопробы
Что смотрят в первую очередь
Когда кастинг-директор или режиссёр смотрит самопробы, оценка происходит по нескольким уровням последовательно. Сначала смотрят на типаж — соответствует ли внешность задуманному образу персонажа. Это занимает буквально несколько секунд. Потом оценивают, как артист держит текст. Потом — есть ли в игре фальшь. Потом — как передаётся эмоция, насколько точно выбрано психологическое действие.
Самые опытные режиссёры и кастинг-директора за десять-пятнадцать секунд понимают, может артист играть или нет. Это не высокомерие — это результат многолетней тренировки: когда смотришь миллионы самопроб, мозг начинает мгновенно считывать уровень мастерства.
Текст по бумажке — путь в чёрный список
Есть вещь, которая немедленно и окончательно ставит крест на отношениях артиста с конкретным режиссёром: читать текст с листочка, спрятанного за телефоном во время самопробы. Это автоматическое занесение в чёрный список — без апелляций и второго шанса.
Текст — это воздух артиста. Его нужно знать наизусть, дышать им, жить в нём. Если для вас учить текст — это мучение, которое вы ненавидите, значит, вы выбрали не ту профессию. Незнание текста — это не техническая деталь, которую можно обойти. Это фундаментальное неуважение к профессии и к людям, которые тратят своё время на просмотр ваших самопроб.
Не играйте «воспоминание» в самопробах
Если в вашей сцене по тексту герой должен что-то вспоминать, никогда не играйте это в самопробах. Причина проста: нейронная сеть любого человека, насмотренного на самопробы, натренирована на одно — распознавать артиста, который плохо держит текст. И когда вы начинаете изображать, что ваш герой что-то вспоминает, первая реакция любого просматривающего будет не «герой что-то вспоминает», а «артист вспоминает текст». Даже если по сцене это очевидно и обосновано — в самопробе это всегда будет прочитано как забытый текст. Лучше избежать этой ловушки и сыграть сцену иначе.
Технические требования к записи самопроб
У каждого режиссёра и каждого кастинг-директора свои технические предпочтения к формату самопроб: одни хотят, чтобы артист смотрел в камеру, другие — чтобы был живой партнёр, третьи просят монолог без реплик. Некоторые обращают внимание на профессиональное освещение и звук. Можно относиться к этим требованиям по-разному, но суть в том, что если вы взялись записывать самопробы — делайте их хорошо.
Минимальный стандарт качественных самопроб: лицо должно быть чётко видно (крупный план), звук должен быть разборчивым (использование петличного микрофона, которые сейчас стоят недорого и подключаются прямо к телефону), штатив и хотя бы базовый свет. За десять тысяч рублей можно купить полноценный набор — фон, свет, микрофон — и установить его в углу квартиры как постоянную рабочую точку. Если вы профессиональный артист, такой набор у вас уже должен быть.
Реплики партнёра должны быть подкинуты чётко, каждый персонаж — в отдельной точке кадра, если это возможно. Главное — чтобы было ясно видно лицо и слышно каждое слово.
Когда артист фальшивит
Когда режиссёр или кастинг-директор просит артиста «не играть» и «быть естественным» — это говорит только об одном: в игре присутствует фальшь. Артист изображает действие вместо того, чтобы его совершать. Он представляет психологическое действие, а не проживает его. Фальшь в кадре заметна мгновенно — зрителю, режиссёру, кастинг-директору. И когда артисту говорят «будь собой», это не комплимент и не лирическое пожелание — это диагноз: в технике есть серьёзная проблема.
Социальные сети и блог артиста
Стоит ли вести блог?
Сегодня блоги ведут практически все — и обычные люди, и артисты. Само по себе это не плохо и не хорошо. Вопрос в том, какую роль блог играет в жизни конкретного артиста: помогает он ему расти или, напротив, мешает работать.
Одно дело — выкладывать фотографии в сеть, получать реакции и поддерживать живое присутствие в сети. Совсем другое — когда на ведение блога уходит 90 процентов рабочего времени. Когда вместо репетиций с коллегами на площадке артист занимается исключительно своим блогом, отвлекается от процесса и отвлекает других — это уже проблема. Если блог начинает мешать профессии, отношение к нему может быть только негативным.
Есть и позитивная сторона: для многих артистов ведение блога становится способом привыкнуть к камере, избавиться от зажатости, научиться органично существовать в кадре. В этом смысле блог может выполнять функцию практического тренинга. Поэтому, пока он не мешает основной работе, ничего плохого в нём нет.
Существует, однако, крайность, которая вызывает серьёзные возражения: когда блог превращается в платформу для публичной критики коллег, высмеивания индустрии и демонстрации «грязного белья» съёмочного процесса. Истории в духе «я пришла на пробы, а там режиссёр ел суп» — это не провокационный контент. Это предательство. Показывать, как работают твои коллеги, выставлять напоказ их усилия и несовершенства — значит изменять профессиональной этике. Каждый работает так, как умеет. Съёмочная площадка — дело грязное в буквальном смысле: пыль, ветер, грязь, усталость. Красивый результат на экране создаётся в условиях, которые далеко не всегда выглядят привлекательно за кадром. И это нормально. Но выносить это наружу ради хайпа — нехорошо.
Зачем артисту социальные сети
Социальные сети для артиста — это рабочий инструмент, и они совершенно необходимы в современном мире. Первое, что делает кастинг-директор, режиссёр или продюсер, услышав имя и фамилию артиста, — вбивает их в поиск. Он смотрит профиль в соцсети, листает фотографии, заходит на Кинопоиск или КиноТеатр, изучает фильмографию. Именно по соцсетям составляется первое визуальное впечатление о человеке.
Поэтому соцсети должны быть оформлены как профессиональный инструмент, а не как личный дневник. Там должны быть свежие и качественные фотографии, обновлённые визитки, снимки с мероприятий, корректный бэкстейдж — всё то, что формирует образ артиста. Коты, собаки и бытовые зарисовки допустимы, когда вас уже знает вся страна. До тех пор, пока вы строите карьеру, ваши соцсети — это ваше лицо, и оно должно быть представлено профессионально. Социальные сети не продвинут вас сами по себе, но когда кто-то захочет узнать о вас больше, он обязательно туда заглянет.
Шоу-рилы и портфолио
Артисты нередко спрашивают: «А нужны ли мне шоу-риллы?» или «Обязательно ли делать монтажную визитку?». Это похоже на вопрос хирурга: «А мне нужен скальпель?». Если вы профессиональный артист, стремящийся к работе в кино, вам нужно всё. Буквально всё, что существует как инструмент для представления себя индустрии.
Это значит: регулярно обновляемые профессиональные фотографии, несколько вариантов шоу-риллов (желательно от пяти и больше), монтажная визитка и немонтажная, короткие метры, активные и оформленные социальные сети, страница на КиноТеатре и Кинопоиске. Если вас не знает каждый продюсер в стране — это не вопрос ваших предпочтений, это вопрос необходимости. Инструменты нужны, чтобы работать. Нет инструментов — нет работы.
Внешний вид: как выглядеть на пробах и площадке
Первое и, казалось бы, очевидное требование, которое тем не менее нарушается с поразительной регулярностью: артист обязан выглядеть опрятно. Это не вопрос тщеславия — это профессиональный стандарт.
Когда вы приходите на пробы, режиссёр оценивает не только вашу игру, но и то, как вы относитесь к работе и к себе. Помятое лицо, немытые волосы, неопрятная одежда — всё это моментально создаёт впечатление человека безответственного, незаинтересованного, которому нельзя доверить серьёзную роль. Режиссёр думает: если человек не может элементарно подготовиться к встрече, он не подготовится к роли, не выучит текст, не выложится на площадке.
Одежда должна быть по фигуре. Особенно это важно для актрис: режиссёру необходимо видеть, как вы выглядите физически, понимать ваши возможности в кадре. Мешковатый оверсайз скрывает не только недостатки, но и достоинства — а режиссёру нужно решить, может ли он отправить именно вас на утверждение заказчику. Даже самый лояльный режиссёр не отправит на канал артиста, которого нужно объяснять и оправдывать.
Некоторые молодые артисты после театральных вузов позволяют себе небрежность, считая, что талант важнее внешнего вида. Это заблуждение работает ровно до тех пор, пока вас не перестали снимать. Органика молодости, которая так восхищала кастинг-директоров сразу после выпуска, очень быстро испаряется. Приходит профессиональная деформация — театральная штамповка, усталость от плохого кино, физические изменения. Остаётся только то, что вы в себе развили и за чем следили. Внешность — это рабочий инструмент артиста, такой же, как голос или пластика. За ним нужно ухаживать: заниматься спортом, следить за питанием, высыпаться, избегать алкоголя и курения. Всё это прямо отражается на вашем лице и теле — а значит, на возможностях вашей карьеры.
Отдельный вопрос: нужно ли приходить на кастинг «в образе»? Ответ однозначный — нет. Вас загримируют и оденут по роли те, для кого это является профессиональной обязанностью — гримёры и художники по костюмам. Режиссёр пришёл смотреть на артиста, а не на его интерпретацию образа. Даже если кастинг на роль бомжа или на историческую роль, вы должны прийти чистым, причёсанным и опрятным. Во все исторические эпохи люди мылись, чистили зубы, приводили себя в порядок и встречались друг с другом в приличном виде — то, что действие происходит, например, в военное время, не означает, что герои ходили как бродяги.
Профессиональные артисты с опытом и репутацией это понимают хорошо: они приходят на пробы в аккуратном макияже, в одежде по типажу, иногда приносят с собой альтернативный костюм. Они знают, что один успешный проект не обеспечивает карьеру, что из обоймы выпадают очень быстро, и что поддерживать профессиональный уровень — это ежедневный труд, в том числе работа над собственной внешностью.
Важно учитывать и чисто технологический аспект: при сдаче материала заказчику подавляющая часть правок на этапе постпродакшна касается именно внешнего вида артистов. Когда грим не справляется с помятым лицом или нездоровой кожей, в монтаже приходится постоянно накладывать бьюти-фильтры. Это дополнительные расходы и время. Уважайте труд всей группы — следите за собой.
Харизма и самопродвижение
Это реально существующее явление: одни артисты умеют ярко проявить себя уже при первом знакомстве — на кастинге, на поступлении, на любом смотре. Их личность как будто выкручена на максимум. Другие — не менее талантливые и профессиональные — остаются незамеченными на фоне харизматичных людей, хотя в работе ничуть не уступают первым, а порой превосходят их.
Это проблема не только актёрского мира — она существует в любой профессии и любой социальной среде. Яркие харизматичные люди притягивают внимание быстрее, и окружающие автоматически приписывают им больше компетенций и возможностей — не потому что так рациональнее, а потому что мы, люди, падки на яркое проявление. Именно поэтому, кстати, существует кино: оно эксплуатирует эту человеческую особенность.
Если вы от природы не харизматичны — это не приговор, но это задача, которую нужно решать. Особенно если вы артист. Умение продавать себя — это профессиональная обязанность актёра, не агента и не продюсера. Только сам артист отвечает за то, как его воспринимают при первом знакомстве. Нет смысла ждать, пока кто-то разглядит вас за скромностью.
Существуют тренинги по самовыражению, по выходу из зажима, по удержанию внимания аудитории. Существуют форматы работы, которые помогают раскрыться людям, привыкшим держаться в тени. Это не мистика и не врождённый дар — этому можно научиться. Харизма бывает разной: одни привлекают внимание громкостью и активностью, другие — тем, что входят в комнату тихо, но все замолкают и смотрят только на них. Оба варианта работают. Оба поддаются развитию.
Идите на тренинги, которые выводят за рамки комфорта. Учитесь привлекать внимание к себе и, что важнее, удерживать его. Это поможет не только в профессии — это работает в любой области жизни.
Системность — единственный надёжный путь
В профессии артиста — как и в любой другой творческой профессии — есть два пути. Первый — путь системности: вы планомерно нарабатываете мастерство, последовательно строите портфолио, профессионально себя представляете. Если идти этим путём, примерно в восьми случаях из десяти вас ждёт успех в той мере, которая зависит от вас.
Второй путь — путь удачи: попытаться «выстрелить» через вирусный контент, тик-ток, скандал или случайное знакомство. Это так называемая «ошибка выжившего» — мы слышим о пятерых или десятерых, у кого это сработало, и не слышим о тысячах, кто так и остался в тик-токах. Этот путь даёт успех примерно в двух случаях из десяти. Выбор очевиден.
Творческая работа — особенно в жанровых профессиях вроде режиссуры или актёрского мастерства — это всегда системность. Именно система позволяет давать стабильно высокий результат, а не зависеть от вдохновения, настроения или удачи.
Часть IV. Три вида ролей
Теперь, когда вы понимаете устройство индустрии и владеете инструментами карьеры, переходим к самой профессии. Всё начинается с простого, но фундаментального вопроса: какую роль вы играете? От ответа на него зависит вся логика вашей работы — от подготовки до поведения в кадре.
1. Три вида ролей и главное правило
Прежде чем приступать к работе над персонажем, артисту необходимо чётко понимать, какую именно роль он исполняет. В кинематографе существуют три вида ролей: главная роль, роли второго плана и эпизоды. Различия между этими видами ролей — это тема отдельного разговора, и сейчас мы на ней останавливаться не будем. Сегодня нас интересует другой вопрос: как решать персонажа в зависимости от того, к какому из этих трёх видов относится роль.
Запомните одно простое и принципиально важное правило. Если вы исполняете главную роль или роль второго плана — вы играете не типаж, а человека. Если вы исполняете эпизод — вы играете не человека, а типаж. Это не просто полезная рекомендация, это аксиома профессии. Если вы её знаете и соблюдаете, этого уже достаточно, чтобы сделать заметный шаг вперёд в своём мастерстве.
Повторим ещё раз, чтобы закрепить: главная роль и роль второго плана — человек, а не типаж. Эпизод — типаж, а не человек. Звучит просто, но за этим правилом стоит вся логика построения драматургии и актёрской игры в кино.
Почему на главных ролях и ролях второго плана нельзя играть типаж
Очень часто артисты совершают одну и ту же ошибку: они начинают изображать типаж. Если персонаж — бандит, они сразу начинают играть «бандита». Если врач — держатся строго и официально. Если спортсмен — изображают физическую мощь или ограниченность. Если учительница — напускают на себя собранность и нравоучительность. Это неверный подход.
Типаж уже заложен в вас самих — в вашей внешности, в вашей природе. Типаж заложен в материале, в сценарии, в сюжете. Его не нужно специально изображать. Нужно играть человека — живого, конкретного, со своей историей, со своими эмоциями и конфликтами.
Некоторые режиссёры, к сожалению, сами провоцируют артиста на игру типажа и требуют, чтобы персонаж был, например, «тупым спортсменом» или «стервозной начальницей» на протяжении всего фильма. Такой подход может быть оправдан в комедийных жанрах или в определённых стилистических решениях, однако он всегда является более слабым решением по сравнению с игрой живого человека. Чем более живым и неоднозначным выглядит персонаж на экране — тем сильнее кино.
Задачи главного героя и персонажей второго плана
3.1. Главная роль
Главная роль — это основа сюжета. Артист, исполняющий главную роль, находится в центре повествования: именно через его персонажа рассказывается история. Его задача состоит в том, чтобы реализовывать основной конфликт, заложенный в замысле произведения, а также второстепенные конфликты и все взаимоотношения с персонажами второго плана.
Конец ознакомительного фрагмента.
Текст предоставлен ООО «Литрес».
Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на Литрес.
Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.